Yakoiaucine

Les frangins Farrelly sont de retour sur nos écrans avec une comédie où l’humour gras (mais c’est pour ca qu’on les apprécie) cache une bonne dose de sentiment (parfois un peu trop, le sucre et le beurre mélangés peuvent conduire a l’indigestion) avec leur acteur fétiche Ben Stiller. Ici l’histoire inversée d’un conte de fée: un homme, dernier des célibataires de son entourag,e cède a la pression sociale et se marie auprès d’une jolie blonde et découvre lors de son voyage de noce que la belle princesse se révèle une sorte de shrek et tombe amoureux d’une autre.
Au de là de l’humour qui repose toujours sur une mécanique bien huilée qui n’épargne aucun corps, les frères font preuve d’une plus grande noirceur que dans leurs précédents, voire même dun esprit critique vis a vis du conformisme bourgeois en particulier le mariage (”faire semblant de sourire cinquante ans en attendant la délivrance de la mort” dit grosso modo l’un des proches du héros).

Une jeune femme décide de rejoindre son mari au front et pour cela se déguise en homme; elle rencontre une troupe qui finit par l’accepter et fait ainsi un bout de chemin avec eux. Bien que le film se passe durant la guerre de 14-18, on est loin de l’univers sale et violent d’un film de guerre, mais au contraire un aspect plutôt doux et léger, aux allure de randonnées champêtre en compagnies d’une troupe d’artistes qui parfois sortent des instruments étranges et entonnent des airs de chanson pop ou se lisent des histoires, ce qui conduit à donner un aspect psychédélique plus proche des années 70 que du monde des poilus. Faut-il voir dans cette troupe dont on apprend qu’ils sont des déserteurs un parallèle avec Serge Bozon qui a réalisé ce film avec des proches fuyant les chemins balisés du cinéma qui traite un tel sujet avec propos antimilitariste ou valorisation d’un certain héroïsme pour préférer les sentiers tordus. C’est une démarche louable certes même si on se demande du coup pourquoi avoir choisi cette période? De plus le film n’est pas toujours convaincant, une volonté trop marquée dans l’étrangeté? Une difficulté à vraiment intégrer la musique dans le film (a chaque je me demande pourquoi ils se mettent à chanter)?

Après 10 ans d’absence, Coppola revient sur les écrans avec ce film étrange, un peu bancal, parfois touchant, parfois ennuyeux avec une histoire de vieux professeur roumain en linguistique touché par la foudre ce qui ne le tue pas mais lui donne un corps plus jeune ce qui devrait lui permettre d’achever sa grand œuvre qui est de trouver les origines du langage. Avec une telle histoire on ne peut s’empêcher de faire un parallèle avec le cinéaste qui malgré les chef-d’œuvres réalisés est toujours en quête du film parfait et tente de retrouver une certaine jeunesse avec ce film souhaitant qu’il soit vu comme celui d’un cinéaste débutant. On pourrait donc dire de ce jeune cinéaste qu’il est intéressant même so ce film est imparfait, le début étant trop romanesque avec avec ces nazis qui le poursuivent, l’image jaunie pour faire vieux n’est pas ce qu’il y a de plus beau, les images renversées pour faire comprendre qu’il rêve sont assez pénibles…; c’est finalement la rencontre avec une jeune femme qui lui rappelle celle qu’il a aimée qui va permettre au cinéaste de développer des choses plus personnelles, qu’il arrive à susciter une certaine émotion.

Noémie Lvovsky arrive à faire rire avec des thèmes peu drôle comme la shoah, la vieillesse et la mort. Il se dégage même une joie de vivre avec ce grand père joué avec délice par Jean-Pierre Marielle qui refuse de vieillir, d’être ainsi dans le passé pour rester dans une éternelle jeunesse et vivre des histoires d’amour adolescent alors que la société lui rappelle constamment son age. Toutefois, contrairement à ses film précédents , elle ne semble pas arriver à maintenir ce rythme léger jusqu’au bout, l’humour de vieux qui sont finalement plus jeunes et dynamiques que les jeunes devient un peu répétitif. Pour paraphraser picha on peut dire que c’est un film qu’on peut aller voir avec ses parents et grand-parents sans trop traîner les pieds et dire, après, devant une verveine “marielle, quand même, c’est un bon acteur”.

David Cronenberg retourne une histoire de violence avec Viggo Mortensen (qu’on peut voir nu, argument qui, je suppose, ne va pas laisser indifférentes les lectrices de ce blog) qui joue cette fois un mystérieux chauffeur pour un parrain de la mafia russe au cœur de Londres.
Tout commence par une scène de meurtre puis de naissance, toutes deux assez crues, qui traduit bien l’ironie et l’ambiguïté de ce film, où donner la vie ou la reprendre passe par le même processus d’un corps mutilé. Ensuite la sage-femme interprétée par la blonde hitchcockienne N. Watts qui n’a réussi qu’à sauver l’enfant décide de partir à la recherche des grands parents aidée d’un journal intime trouvé dans les affaires de la jeune fille ce qui la conduit dans l’univers séduisant mais dangereux de la mafia russe.
Le film est ainsi tout d’abord un très bon thriller, brillamment réalisé et interprété où même le cabotinage outrancier de Vincent Cassel est supportable. Mais il est aussi plus que cela. Tout en étant dans une filiation du film de genre il s’en démarque un peu à l’image du personnage joué par Mortensen qui doit renier ses parents pour entrer dans le clan, en pervertissant le film, en y mettant des zones d’ombre entre le bien et le mal, les motivations d’un des personnages principaux semblent constamment ambiguës. les zones d’ombre se situent aussi au niveau de réalisation dans cette manière de tout montrer qui donne à la fois un sentiment de réalisme et de fiction renvoyant ainsi à du cinéma gore.

(Ventricule gauche)

Si Mathieu m’a si gentiment permis d’intervenir sur son blog, c’est pour apporter un petit plus client, à savoir chroniquer des films que même lui se refuse de voir. C’est pourquoi cette modeste intervention sera consacrée au Coeur des Hommes 2, la suite du Coeur des Hommes, film de Marc Esposito en 2003 où l’on suivait les aventures (et mésaventures) amoureuses parfois rocambolesques de quatre amis de longue date âgés entre 40 et 50 ans. Ce film avait relativement bien marché, tant l’alchimie entre les comédiens, et la justesse des situations diverses que nos 4 compères vivaient, étaient bien rendues. Nous retrouvons nos quatre amis 4 ans plus tard, toujours embringués dans des situations amoureuses complexes, mais toujours aussi soudés par une amitié virile, parfois houleuse, mais terriblement fraternelle.
Ceci étant posé, il faut dire que ce film n’a pas d’autre intérêt que ce qu’on nous annonce : retrouver cette bande de potes dont on avait tant aimé suivre les délires, les petits et les gros malheurs. Si c’est cela que vous cherchez, vous ne serez pas déçu. Par contre, ce 2ième opus est certainement moins bien construit et moins riche sur le fond que le 1er, les histoires se suivent un peu linéairement, et l’accélération du temps est utilisées dès que besoin pour arriver directement à la résolution (ficelle scénaristique un peu facile). Moi ça ne m’a pas plus dérangé que ça, mais je comprends que certains trouvent le film plus creux que le 1er. La philosophie centrale un peu simpliste, mais assez bien vendue, c’est « l’Amour ne dure pas toujours, il faut vivre le moment présent et ne pas hésiter à passer à autre chose le moment venu ». On regrettera un peu que ces 4 bonshommes soient tous au fond des gentils, les 4 facettes de l’homme idéal (même Lavoine au fond), mais on appréciera particulièrement le casting féminin qui, de la jeune actrice à l’actrice confirmée, nous régale.
Un film que les mecs peuvent aller voir avec leur copine sans trop traîner les pieds (juste un peu, pour la forme), à condition qu’ils aient apprécié le 1er.
Picha

Afin d’attirer un public jeune sur ce blog et augmenter ainsi mon taux de fréquentation, je suis aller voir ce film qui t’ai destine mais pas uniquement. Film produit par celui qui a fait a réalisé “en cloque, mode d’emploi” écrit et joué par l’acteur principal de ce film, bref on est face à film de potes, de joyeux rigolard qui ont mis de coté l’aspect un peu trop mièvre des films précédents avec une histoire d’une bande de jeunes ados boutonneux qui réussissent à être invités à une soirée mais doivent ramener de l’alcool. Cette quête pour ces mineurs se transforment en cauchemar nocturne remplis de jeunes adultes tout aussi infantiles dont deux flics crétins. Le film ne semble jamais s’essouffler (sauf peut-être sur la fin)dans cet emballement hystérique aussi bien absurde que potache.

L’heure zero est le moment où arrive le crime, c’est le début dans un roman policier, ici c’est la fin. Adapté d’un roman d’Agatha Christie, il s’agit pour Pascal Thomas, non pas de réaliser un Chef d’œuvre, il n’en a jamais eu l’ambition, mais de s’amuser et d’amuser le public. Souvent ce deuxième aspect est oublié chez les prétendants amuseurs publics, condamnant le malheureux spectateur à un certain ennui dénué de plaisirs. Ce n’est pas le cas de ce film qui arrive à instiller un petit grain de folie à cette histoire très classique de “qui a tué le colonel moutarde?” (ici le colonel étant une grande tante qui aime l’opium et le Saint Emilion), un peu à la manière de Podalydes avec le “mystère de la chambre jaune”.
Pourtant le roman est assez noir avec ces nouveaux riches vulgaires et aristicrates coincés, ces rancunes enfouies et jalousies qui explosent, qui conduisent à faire tout le monde des “présumés coupables”, et il faut l’humour du réalisateur ,aidé de son d’inspecteur sous les traits de Morel, pour arriver a apporter une touche de légèreté dans ce film.

Comme dans son précédent film, Kawase nous parle de deuil. Ici, une jeune mère qui a perdu son enfant et qui semble se le reprocher travaille dans une maison de retraite au milieu de la campagne japonaise où elle fait la connaissance d’un vieil homme qui n’a toujours pas fait le deuil de sa femme disparue il y a 33 ans. Le temps d’une promenade dans une forêt sera l’occasion à tout deux de faire le deuil.
Un tel sujet aurait pu donner un drame psychologique, mais Kawase est une cinéaste qui a plus de finesse préférant une approche plus lyrique en utilisant la nature qui est à la fois douce et terrifiante pour révéler les sentiments des deux personnages passant de la joie de vivre à la tristesse du souvenir de l’être cher. Si ce film n’atteint pas toujours la grâce de “Shara”, il reste un film beau et émouvant.

Tout comme le dernier film de GVS, il s’agit d’une histoire de crime et de châtiment, comme dans le beau “match point”c’est drame sur l’arrivisme qui passe par la case meurtre comme seule solution a la réussite sociale, mais toutes ces similitudes conduisent finalement a desservir ce film qui paraît bien en dessous.
Certes les acteurs sont plutôt bons, même Colin Farrell arrive a être crédible dans ce personnage torturé, en proie à la culpabilité contrastant avec son frère froid et prêt a tout qui rappelle le héros de “match point”, mais cela ne sonne pas toujours juste comme si Woody Allen était partagé entre la comédie noire et le drame, ainsi certaine scène ont quelquechose de légèrement comique comme la manière dont l’oncle demande aux deux frères de lui rendre un service en tuant une personne qui risque de nuire à ses affaires, parfois certaine scène sont plus difficile a cerner ainsi il est arriver que certains rient dans la salle à des moments qui me paraissaient au contraire tragique. Ainsi aux dilemme moral des deux héros s’ajoute un dilemme plus artistique pour le réalisateur entre comedie et drame qu’il semble ne pas avoir réussi à trancher cette fois.