Yakoiaucine

Plébiscité a Cannes par la critique mais revenu bredouille, cet objet filmique inédit qualifié de documentaire animé, réalisé par Ari Folman, un ancien soldat israélien, qui fait un douloureux travail de mémoire pour se rappeler de cet événement tragique, le massacre  de Sabra et Chatila, dont il a été  témoin .

la forme animée permet ainsi d’ alterner scène d’ entretien avec ses anciens compagnons comme dans tout documentaire à la manière d’ un Lanzmann qui oppose l’ absence d’ image la parole vivante des témoins, et des visions plus hallucinée plus proche d’ un “apocalypse now” comme cette scène où un soldat danse avec son arme (et qui donne le titre du film), pour se conclure logiquement, même si certains lui ont reproché pour je ne sais quelle raison, sur l’ actualisation de cette image refoulée du massacre avec un film pris à la fin où des femmes sortent en pleurant.

Back in ze bizness comme on dit dans le monde du poker et pas avec n’ importe quel film mais celui tant attendu, du moins par moi, de Desplechin. Sur le papier cela donne un film qui en temps normal m’ aurait fait fuir, une histoire de fils banni qui va être le seul donneur de moelle osseuse pour sa mère. On imagine très bien comment un tâcheron de téléfilm de milieu d’ après midi aurait traité ce sujet avec lourdeur mélodramatique plein de cris et de larmes, mais heureusement le cinéaste fait preuve de beaucoup de finesse et de subtilité.

En effet il filme avec légèreté des choses très lourdes, presque humour les moments les plus graves comme la relation entre la mère et le fils qui semblent aimer se détester ou encore la manière ludique de vaincre la maladie par un savant exercice de probabilité. Le film s’ ouvre aussi sur d’ autres histoires comme le trio constitué de sylvia (chiara mastroianni) et des deux cousins.

Beaucoup de choses dithyrambiques ont été écrites au sujet du nouveau film des frères Coen, qui tient autant à la qualité du film qu’ à la méfiance vis à vis de réalisateurs qui semblaient plus malins que talentueux, et c’ est donc avec peu d’ originalité que je vais rajouter une petite touche.

Il s’ agit d’ une adaptation d’un roman de Cormac Mccarthy que je n’ ai pas lu et donc serai incapable de juger de la fidélité au texte, même si c’ est en étant généralement infidèle que ce genre d’ exercice est réussi. Si l’ histoire peut paraître assez classique avec cette chasse a l’ homme pour une poignée de dollars, le film prend au dépourvu le spectateur au fil de l’ histoire (j’ en dis pas plus pour ne rien gâcher).

A ce suspence haletant s’ ajoute une noirceur ironique - avec notamment ce personnage à la fois drôle et inquiétant interprété par l’ excellent Javier Bardem qui joue la vie des gens a pile ou face - sur une amérique violente, qui ne tombe dans aucune nostalgie , même pas cinématographique (contrairement au récent western sur jesse james), avec néanmoins une lueur d’ espoir avec cet acte généreux de deux enfants.

  Je vais rajouter ma petite voie au concert de louange sur ce film qui est pour moi un des plus réussi de cette année. Plus beau que son précédent, "l’ esquive" qui était pourtant déjà bien il ne plaira peut être pas a ceux qui n’ avaient pas aimés ce dernier (si si y en a j’ en connais même si je ne vais pas les dénoncer) car comme Kechiche esquive nouveau les enjeux politiques de son film (il n’ est pas Ken Loach il ne cherche pas à dénoncer lourdement des injustices,à balancer un message manichéen) que pourrait susciter la matière de son film, ici un vieil ouvrier arabe licencié qui décide d’ ouvrir un restaurant avec pour spécialité le couscous au poisson , d’où le titre du film qui sont les deux ingrédients de cette délicieuse recette, préparé par son ex femme. Ainsi les difficultés viennent autant de cette famille recomposée que des institutions tatillonnes. Le réalisateur au lieu de se positionner sur une critique de la société française au problème d’ intégration (le héros est parfaitement intégré) préfère s’ attacher aux individus, à la justesse qui donne parfois le sentiment d’ être là de manger le couscous avec eux. Une telle justesse ne peut se faire sans de bons acteurs tous parfaits que ceux soit le héros Slimane au visage buriné par le temps ou sa belle fille dont la sensualité explose lors d’ une mémorable danse du ventre.

David Cronenberg retourne une histoire de violence avec Viggo Mortensen (qu’on peut voir nu, argument qui, je suppose, ne va pas laisser indifférentes les lectrices de ce blog) qui joue cette fois un mystérieux chauffeur pour un parrain de la mafia russe au cœur de Londres.
Tout commence par une scène de meurtre puis de naissance, toutes deux assez crues, qui traduit bien l’ironie et l’ambiguïté de ce film, où donner la vie ou la reprendre passe par le même processus d’un corps mutilé. Ensuite la sage-femme interprétée par la blonde hitchcockienne N. Watts qui n’a réussi qu’à sauver l’enfant décide de partir à la recherche des grands parents aidée d’un journal intime trouvé dans les affaires de la jeune fille ce qui la conduit dans l’univers séduisant mais dangereux de la mafia russe.
Le film est ainsi tout d’abord un très bon thriller, brillamment réalisé et interprété où même le cabotinage outrancier de Vincent Cassel est supportable. Mais il est aussi plus que cela. Tout en étant dans une filiation du film de genre il s’en démarque un peu à l’image du personnage joué par Mortensen qui doit renier ses parents pour entrer dans le clan, en pervertissant le film, en y mettant des zones d’ombre entre le bien et le mal, les motivations d’un des personnages principaux semblent constamment ambiguës. les zones d’ombre se situent aussi au niveau de réalisation dans cette manière de tout montrer qui donne à la fois un sentiment de réalisme et de fiction renvoyant ainsi à du cinéma gore.

Je ne sais pas si c’est le fait que le dernier film de Gus van Sant sorte juste après l’album de Radiohead, mais je trouve qu’il y a dans leur démarche une certaine proximité qui consiste à arriver à sortir du carcan de leur domaine respectif, l’un d’une histoire scénarisée, l’autre du couplet-refrain, sans être hermétique (même si dans un cas comme dans l’autre on retrouve des réfractaires qui trouvent cela ennuyeux), donnant à chaque fois le même sentiment de familiarité et d’émerveillement.
Ainsi le dernier GVS ressemble beaucoup à ses dernier films (depuis “gerry” qui constitue un peu son “kid A” pour prolonger la comparaison), on retrouve cette même façon de filmer des corps adolescents marchant au ralenti sur fond de l’éternel Elliot Smith, mais réduire ce film à son esthétique vantienne c’est passé à coté du film car il est beaucoup plus profond. Inspiré d’un roman qui raconte une histoire d’accident et de la culpabilité qui s’en suit, GVS le découpe de façon à brouiller les piste de la chronologie, on ne sait pas toujours si la scène a lieu avant ou après la scène comme si chacune n’avait ni passé ni futur, enfermé sur elle-même. Ce n’est ainsi pas tant la culpabilité du héros qui semble intéresser le réalisateur que son absence, comme si l’adolescent vivait dans une bulle, renforcée par l’apparente autonomie de chaque scène; il y a bien un certain désarroi de celui-ci mais du plutot à son incapacité agir du fait de l’absence de parent qui sera au final remplacé par une adolescente plus mature (l’adulte est ainsi réduit à une vague silhouette) qu’à un remord. Il réussit à faire ressentir ce désarroi non pas en utilisant la voie médiocre de la voix off mais par la mise en scène comme la scène de douche avec l’arrivée progressive du son oppressant de la pluie et des corbeaux, ou encore la séparation avec sa copine où la réponse de celle-ci est couverte par la bande son créant une distance avec celle-ci et renforçant ainsi ce sentiment de bulle. Ainsi paranoid park est un film beau et mélancolique qui s’écoute autant qu’il se regarde.

Apres son diptique sorti en debut d’annee, To revient avec ce “film de vacances” selon lui. S’il parait moins ambitieux, avec une trame plus simple ou on trouve cette eternelle histoire de guerre de gang entre un individu qui decide de decrocher, donc en exil, et son ancien patron qui cherche a l’eliminer. Mais cette simplicite lui permet de faire preuve d’une plus grande virtuosite esthetique et realise peut-etre son meilleur film (du moins parmis ceux que j’ai pu voir).
S’il s’agit d’une histoire de mafia, ce film penche plus vers l’univers du western avec ces rues ensoleilles de macao, cette amitie virile, ces voitures remplies de lingot d’or. On sent l’influence de Leone dans chaque plan, notemment dans la premiere scene ou les anciens collegues attendent leur ami afin de l’eliminer.
Meme dans les moment les plus dramatiques le realisateur arrive a glisser un peu d’humour critiquant discretement les institutions avec ce flic proche de la retraite. on peut trouver tout cela vain et gratuit comme ce lancer de cannette dans la seule ambition est la beaute du geste, mais c’est finalement cette gratuite qui me plait.