Yakoiaucine

L’heure zero est le moment où arrive le crime, c’est le début dans un roman policier, ici c’est la fin. Adapté d’un roman d’Agatha Christie, il s’agit pour Pascal Thomas, non pas de réaliser un Chef d’œuvre, il n’en a jamais eu l’ambition, mais de s’amuser et d’amuser le public. Souvent ce deuxième aspect est oublié chez les prétendants amuseurs publics, condamnant le malheureux spectateur à un certain ennui dénué de plaisirs. Ce n’est pas le cas de ce film qui arrive à instiller un petit grain de folie à cette histoire très classique de “qui a tué le colonel moutarde?” (ici le colonel étant une grande tante qui aime l’opium et le Saint Emilion), un peu à la manière de Podalydes avec le “mystère de la chambre jaune”.
Pourtant le roman est assez noir avec ces nouveaux riches vulgaires et aristicrates coincés, ces rancunes enfouies et jalousies qui explosent, qui conduisent à faire tout le monde des “présumés coupables”, et il faut l’humour du réalisateur ,aidé de son d’inspecteur sous les traits de Morel, pour arriver a apporter une touche de légèreté dans ce film.

Comme dans son précédent film, Kawase nous parle de deuil. Ici, une jeune mère qui a perdu son enfant et qui semble se le reprocher travaille dans une maison de retraite au milieu de la campagne japonaise où elle fait la connaissance d’un vieil homme qui n’a toujours pas fait le deuil de sa femme disparue il y a 33 ans. Le temps d’une promenade dans une forêt sera l’occasion à tout deux de faire le deuil.
Un tel sujet aurait pu donner un drame psychologique, mais Kawase est une cinéaste qui a plus de finesse préférant une approche plus lyrique en utilisant la nature qui est à la fois douce et terrifiante pour révéler les sentiments des deux personnages passant de la joie de vivre à la tristesse du souvenir de l’être cher. Si ce film n’atteint pas toujours la grâce de “Shara”, il reste un film beau et émouvant.

Biopic de la courte vie de Ian Curtis, chanteur de Joy Division, qui, a après deux très beaux albums qui continuent à influencer les groupes actuels comme Interpol, se suicide, le film se concentre surtout sur sa vie de couple (ce qui n’est pas surprenant puisqu’il est adapté de la biographie écrite par son épouse) et de sa relation extra conjugale, qui, par le poids d’un mariage arrivé trop tôt et qui oppresse le chanteur, semble beaucoup influencer sa musique. le choix du noir et blanc illustre parfaitement la beauté sombre de ses chansons, mais l’intérêt du film tient surtout à la capacité de Sam Riley, lui même chanteur,à incarner, et pas seulement imiter, Ian curtis, par sa voix et ce jeu de scène particulier qui donne le sentiment qu’il est en transe.

Critique de cinéma dans les “cahiers” Hansen-Love se lance, comme beaucoup de cette revue, dans la réalisation avec ce beau et sensible premier film. Il s’agit d’une relation d’amour entre un père et sa fille.
Lui est autodestructeur, noyant son mal-être dans la drogue et l’alcool conduisant au renoncement et la fuite de sa femme qui part avec la fille qui, quelques années après, va renouer contact avec lui, pardonner son absence. La réussite du film tient à une certaine justesse dans le jeux des acteurs et dans la réalisation sobre qui évite un ton larmoyant, une certaine boursouflure mélodramatique, pour donner au contraire une forme finalement douce et apaisée, notamment dans la deuxième partie du film, qui sied bien au titre.

A l’origine, “la question humaine” est un roman bref d’une centaine de pages, Klotz en a fait un film dense et complexe, à la fois polar, critique du monde de l’entreprise, film sur l’apres shoah…Ainsi tout commence par une enquête que doit mener un psychologue d’entreprise, joué par Amalric, sur son directeur au comportement soi disant étrange. S’agit-il d’une manœuvre pour déstabiliser ce dernier? On ne sait pas car peu à peu le film débouche sur une autre découverte, du passé des anciens de la firme, qui ont connu la deuxième guerre mondiale et le héros tombe sur des documents nazis qui résonnent en lui, sur la manière dont ceux-ci ne nomment pas les juifs mais les réduit à des “pièces”, tout comme il a pu le faire lorsqu’il a été chargé d’une réduction d’effectif et qu’il expliquait froidement comment il a réussit a réduire le nombre d’”unité”.
Il ne s’agit pas évidemment de dire que le libéralisme et le nazisme sont comparables, mais plutot d’un film sur le langage et la rationalité qui instrumentalise l’humain (alors que c’est l’économie qui devrait être au service de l’homme comme le dit souvent le magazine “alter éco”…même si la citation d’un tel journal va faire chuter le taux de frequentation de ce blog ;-)), mais aussi de l’aspect possitif du langage qui permet de ne pas oublier et la nécessité de l’Histoire qui permet au héros de redevenir humain
Il ne s’agit pour autant pas d’un film a thèse qui serait lourd (chose que je craignais en allant le voir), mais la réalisation arrive a donner un climat inquietant a cette firme feutrée,alternant froideur et violence.

Jason Bourne est de retour pour ce troisième (et dernier?) volet a la recherche de son identité, traqué par ces anciens patrons de la CIA. Lorsque ce nouveau personnage inspire des romans de Ludlum a ete lance, il faisait figure d’exception dans le cinéma d’action, en proposant un modèle de héros torturé, qui ne blague en tuant les méchants mais, au contraire, est en proie a la culpabilité d’un tel geste. Depuis ce personnage est devenu la norme; de Jack Bauer a James Bond, plus aucun JB n’a envie de plaisanter. Il n’y a bien que John McClane pour trouver la force de rigoler tout en frappant l’adverse.
On retrouve à la réalisation de troisieme volet P. Greengrass qui avait déjà réalisé le précédent. Ancien documentariste il apporte une force réaliste à ce film, où chaque lieu à sa popre dimension,de Londre avec ses nombreuses caméras, aux toits de Tanger, nous plongeant ainsi au coeur de l’action, et même une dimension politique à ce film en critiquant la politique sécuritaire qui se fait au détriment des droits et de la vie humaine.

Deux anciens amis se retrouvent le temps d’un week end pour une randonnée. ils semblent avoir vieilli et mener chacun une vie différente l’un marié, un chien et bientot un bébé, bref s’est embourgeoisé, l’autre au contraire parait plus un marginal un peu étrange. Le film ne tend pas dans vers le facile conflit qu’une telle situation peut susciter, mais repose plus sur les non-dit, les regard plein de suspiscions,les ilences de l’un, et les longs monologues de l’autre,.
L’un des deux personnages est joué par Will Oldham chanteur d’entre autres de Bonnie “Prince” Billy. Le film est un peu à l’image de ce film, une certaine lenteur contemplative assez belle, avec peu de rythme, ici d’histoires qui viendriaient perturber le film. Certains ricaneront surement, trouvant cela ennuyeux et vide, cela me parait au contraire subtile et reposant.

“j’aurais voulu être un artiste” chantait le businessmen, et c’est sur cette idée que Fitoussi réalise une comédie dépressive avec trois histoires sur la même idée de renoncement a vouloir la réussite artistique, que tout le monde ne peut pas l’être car cela demande autant de chance que de talent, bref nos trois losers vont se retrouver a la dure réalité de leurs insuccès devant se contenter de ce qu’ils ont que ce soit le prof de français, la doubleuse de manga ou encore l’animatrice de karaoke. Si le réalisateur fait rire du ridicule de leur entêtement, ils ne se moquent pas d’eux et il y a une certaine tendresse pour ces personnages voire une tristesse face a leur échec.
Certes le coté systématique à vouloir montrer toutes les facettes du monde artistique, de la forme la plus légitime qui est la littérature à la chanson populaire, avec ces histoires qui se succèdent sans lien, plutot que de chercher a les lier (il s’agit ainsi plus de 3 court-métrages que d’un film choral) ou à ce concentrer sur l’une apparaît comme la limite du film, ce dernier reste néanmoins une comédie sympathique.

Film roumain qui a eu la palme d’or,il s’annonçait comme un film éprouvant, et il est vrai qu’on est plongé en apnée dans le cauchemard d’une jeune roumaine qui doit aider son amie a avorter dans un pays où c’est considéré comme un crime.
Ce n’est pas tant le discours politique -d’ailleurs quel est-il? l’avortement est criminel ou c’est son illégalité qui est epinglé? le realisateur est assez ambigue sur la question - mais la volonsté de faire partager l’angoisse de l’heroïne par de longs plans asphyxiants.

Ainsi avec peu, par la mise en scene qui cadre parfaitement comme pour ce repas de famille a priori banale ou on ressent l’inquietude qui etouffe le personnage, et le talent de l’actrice principale, il en fait un long suspense .

tout comme le recent “et toi c’est sur qui”, il s’agit de montrer les premiers émois adolescents, mais contrairement au film de doillon ou les relations entre les ados prenaient la forme d’un leger bavarde, sciamma attaque le sujet de maniere plus physique en ne donnant que le point de vue feminin (les garcons etant au mieux un objet sexuel et au pire des pervers menacant).

 la realisatrice suit ainsi trois jeunes filles qui connaissent leur premiers desirs - l’une pour un la “salope” du groupe, celle-ci qui craint qu’on decouvre qu’elle n’a jamais couchee, et une boulotte qui reve du beau gosse, et et son envers qui est la frustration. Elle reussit a faire naitre l’angoisse des ces desirs inassouvis en reduisant les lieux a une piscine et quelques chambres cadre avec precision qui renforce ce sentiment d’enferment des ados dans  leur corps .